Tipos de fuentes de luz, luz natural, luz artificial (suave y dura) y el funcionamiento de las diferentes fuentes de luz.  Exposición de los diferentes tipos de soporte que se usan dentro de la industria cinematográfica para grip terrestre o aéreo. Revisar ficha de fabricación.

Exposición de los diferentes tipos de soporte que se usan dentro de la industria cinematográfica para grip terrestre o aéreo. Revisar ficha de fabricación.

Posición y dirección de la fuente de la luz.

Técnicas de Iluminación

Diseño de iluminación

2. Tipos de iluminación. Conocer la forma correcta para aplicar un tipo de iluminación específico. Diseño de Iluminación.
3. Plantas de piso y esquemas de iluminación (qué es, para qué sirve, cómo se crea) diseño de esquema para una escena específica.

5. Soportes. (Exposición de los diferentes tipos de soporte que se usan dentro de la industria cinematográfica para grip terrestre o aéreo). Revisar ficha de fabricación.
6. Las herramientas esenciales dentro del set.  El rol y oficio del asistente de iluminación y el protocolo dentro del set. (Cómo debe ser el comportamiento dentro del set).

Objetivo:

Entender cómo la pintura clásica ha influido en la fotografía cinematográfica y su capacidad narrativa.

Introducción a la dirección de fotografía con ejemplos de cine y pintura.

Referentes pictóricos:

Rembrandt: Uso del claroscuro (chiaroscuro) para retratar emociones intensas a través de sombras profundas y luz direccional.

Vermeer: La luz suave en escenas cotidianas, como en «La joven de la perla», capturando la intimidad y el detalle.

Ejemplos en cine:

«Barry Lyndon» (1975) de Stanley Kubrick: Uso de luz natural y velas, inspirado en la pintura barroca.

«Blade Runner» (1982): Luces duras y sombras profundas que evocan el claroscuro barroco.

Práctica:

Recrear la estética de pintores como Rembrandt y Vermeer, trabajando con luz natural y artificial para observar cómo la dirección de la luz cambia la narrativa visual.

Objetivo: Comprender cómo la teoría del color, presente en la pintura impresionista y el arte moderno, influye en la creación de atmósferas cinematográficas.

Referentes pictóricos:

Claude Monet y los impresionistas: Uso de colores vibrantes y pinceladas suaves para capturar la luz cambiante y las atmósferas emocionales.

Henri Matisse: Colores intensos y formas simples que transmiten energía y emociones claras.

Edward Hopper: Luz y color para transmitir soledad y alienación, como en «Nighthawks».

Ejemplos en cine:

«Her» (2013) de Spike Jonze: Inspiración en paletas suaves y cálidas para transmitir emociones nostálgicas y románticas, evocando colores impresionistas.

«Mad Max: Fury Road» (2015): Contrastes vibrantes y saturación extrema para aumentar la tensión, similar a los colores fuertes de Matisse.

Práctica:

Crear escenas usando distintas paletas de colores, inspiradas en los impresionistas y el cine moderno, para experimentar con el estado de ánimo y la atmósfera.

Objetivo: Estudiar el uso del contraste entre luz y sombra en la pintura barroca y cómo se traslada al cine para crear dramatismo.

Referentes pictóricos:

Caravaggio: El maestro del claroscuro, que utilizaba la luz dramáticamente para resaltar los personajes y crear tensión en escenas oscuras.

Goya: Sombras intensas que comunican la gravedad de las emociones humanas, como en «Los fusilamientos del 3 de mayo».

Ejemplos en cine:

«El Padrino» (1972): El uso de sombras profundas para reforzar la atmósfera de poder, traición y corrupción, evocando el claroscuro de Caravaggio.

«Psicosis» (1960) de Hitchcock: Sombras afiladas y luz tenue que generan suspense, similar a las composiciones de Goya.

Práctica:

Recrear escenas de alto contraste con fuertes sombras y luces dirigidas, inspirado en Caravaggio y Goya, para aumentar la tensión y el dramatismo en la narrativa.

Objetivo: Explorar las técnicas de iluminación clásica utilizadas en el cine, inspiradas en las composiciones y el tratamiento de la luz del Renacimiento.

Referentes pictóricos:

Leonardo da Vinci: Uso sutil de la luz y la perspectiva para guiar la mirada del espectador, como en «La Última Cena».

Tiziano: Colores ricos y dramáticos que aportan profundidad a las escenas religiosas y mitológicas.

Ejemplos en cine:

«Citizen Kane» (1941): La iluminación de 3 puntos (luz principal, de relleno y contraluz) y el uso de la profundidad de campo para guiar la mirada, similar al enfoque renacentista.

«La La Land» (2016): Uso de la luz suave y colores vibrantes para crear un ambiente romántico, que evoca la riqueza visual de las pinturas renacentistas.

Práctica:

Recrear escenas utilizando la técnica de iluminación de 3 puntos, inspirándose en las composiciones del Renacimiento, enfocándose en cómo la luz puede guiar la narrativa y añadir profundidad visual.

Objetivo: Entender cómo los movimientos de cámara y la composición pictórica afectan la narrativa en cine y arte.

Referentes pictóricos:

Diego Velázquez: Composiciones complejas y movimiento interno en pinturas como «Las Meninas», que controlan la perspectiva del espectador.

Edgar Degas: Captura de movimiento y dinámica en escenas cotidianas, como los bailarines, que influyen en el cine moderno.

Ejemplos en cine:

«El Renacido» (2015) de Iñárritu: Uso de la cámara en movimiento continuo y lentes gran angulares para capturar la naturaleza y la lucha humana, evocando la narrativa visual de Velázquez.

«Requiem for a Dream» (2000): Planos dinámicos y angustiantes que recuerdan la captura de movimiento de Degas, pero en un contexto dramático.

Práctica:

Ejercicios de grabación con movimientos de cámara complejos y cambios de perspectiva, inspirados en composiciones pictóricas que guíen la atención del espectador.

Objetivo: Aplicar técnicas de iluminación en exteriores, inspirándose en el tratamiento de la luz en la pintura paisajística y cómo se ha trasladado al cine.

Referentes pictóricos:

J.M.W. Turner: Pionero en capturar la luz cambiante y las atmósferas dinámicas en sus paisajes.

John Constable: Paisajes detallados que reflejan la belleza natural y el juego de luces en los cielos y campos.

Ejemplos en cine:

«No Country for Old Men» (2007): Uso del paisaje desolado y la luz natural para transmitir soledad y amenaza.

«Lawrence de Arabia» (1962): Luz natural del desierto que refleja la monumentalidad del paisaje.

Práctica:

Rodaje en exteriores, utilizando la luz natural para narrar una historia visual, jugando con las sombras, el cielo y los reflejos, inspirados en Turner y Constable.

Objetivo: Explorar cómo la luz y los colores no naturales pueden crear atmósferas surrealistas y expresionistas en cine y pintura.

Referentes pictóricos:

Salvador Dalí: Imágenes surrealistas que desafían la lógica, donde la luz y los colores contribuyen a la sensación de lo imposible.

Edvard Munch: Colores intensos y distorsionados para transmitir angustia emocional, como en «El Grito».

Ejemplos en cine:

«El Gabinete del Dr. Caligari» (1920): Estética expresionista con ángulos distorsionados y contrastes extremos de luz y sombra.

«El Laberinto del Fauno» (2006) de Guillermo del Toro: Uso de colores y luz para mezclar el realismo mágico con lo oscuro y lo fantástico.

Práctica:

Crear una escena inspirada en el surrealismo o el expresionismo, experimentando con luces, sombras y colores distorsionados para transmitir sensaciones no realistas.

Objetivo: Aprender cómo la corrección de color puede transformar la atmósfera visual y la narrativa, tomando como base ejemplos del arte y el cine. Se analizará cómo el color no solo refuerza la historia visual, sino que también puede cambiar drásticamente la percepción emocional de una escena.

Referentes pictóricos:

Mark Rothko: Conocido por sus grandes bloques de color, Rothko crea atmósferas emocionales a través de la simplicidad y la intensidad cromática. Sus pinturas se basan en tonos fuertes y contrastes sutiles, que generan diferentes estados de ánimo, desde la calma hasta la angustia. Su trabajo es un claro ejemplo de cómo el color puede ser el verdadero protagonista de una obra y de cómo este puede influir profundamente en la experiencia sensorial del espectador.

Ejemplos en cine:

«The Grand Budapest Hotel» (2014) de Wes Anderson: Uso del color para crear mundos vibrantes y estilizados, casi como una pintura, evocando la estética de Rothko en sus transiciones cromáticas.

«Blade Runner 2049» (2017): Bloques de color que definen mundos y atmósferas, como el naranja del desierto que comunica desolación y el azul cian que evoca frialdad y tecnología.